Arte y clases sociales.(11)

11.En el siglo XVII, el arte está vinculado a la Iglesia, tanto católica (la del Concilio de Trento)como protestante; a los burgueses; a las monarquías absolutas y a los coleccionistas. El Barroco es un arte aristocrático, en el que se intenta descender al pueblo pero sin que el discurso tenga su nivel. En el arte barroco se ve la comunión entre la iglesia y las monarquías absolutas de manera que la Iglesia se torna Iglesia nacional. De esa forma se puede hablar de diferentes barrocos: el de las cortes católicas; el barroco protestante y burgués; en Francia, en España, etc. Italia marca la pauta. La Contrarreforma exige una gloria comparable a la del siglo anterior, cuando la alianza entre los artistas y el Papado había propiciado la realización de obras excepcionales. Bernini es el paradigma de esta situación. España y Francia van a la zaga de Italia. Aquí la glorificación católica está mediatizada por las monarquías absolutas.

Arte y clases sociales.(10)

10.En el Manierismo, el arte se vincula aún más a los círculos intelectuales, sean de la corte pontificia, de los banqueros y comerciantes o de las antiguas familias de la nobleza. Aparecen las primeras teorías sobre el arte, teniendo en Vasari su ejemplo por excelencia. Estos teóricos establecen directrices estéticas del arte y de los artistas. En esta época se construye el primer edificio destinado a museo: el palacio de los Uffizi, en Florencia, obra de Vasari. Lentamente el artesano medieval dará paso al artista renacentista. La figura ideal del pintor es la de una persona erudita, conocedor en la mayoría de las ramas del saber, un hombre de formación completa y hasta de buen carácter. Ser un erudito también es una aspiración de escultores y de arquitectos, que escribirán tratados sobre sus artes con el fin de revalorizar sus figuras y abandonar su pertenencia al mundo de los artesanos. El artista trata de emanciparse de la organización gremial y lo irá consiguiendo de forma paulatina en diferentes reinos. A esta emancipación contribuye el que los artistas instruyan a sus discípulos en su propio taller, es el caso de Rafael, y el desarrollo en la segunda mitad del siglo XVI de las Academias, iniciadas por Cosme de Médicis en Florencia.

Arte y clases sociales.(9)

9.Con el Renacimiento el arte burgués irá cambiando al cambiar también la burguesía. Los burgueses han ido adquiriendo títulos nobiliarios. A través de los préstamos a los señores feudales y el continuo enfeudamiento de la antigua nobleza los burgueses poseen ahora las tierras y los títulos. El panorama es pues ahora el de una serie de pequeños reinos con mucho dinero en los que se desarrollará mucho la cultura. Existen pues dos compradores del arte renacentista, los reyes y la burguesía ciudadana. Se da el gusto por el arte antiguo al que se valora, tanto que la arquitectura el de base romana, en la pintura, literatura, etc., se vuelve la mirada hacia la antigua Roma. En esa mirada retrospectiva añaden un nuevo valor, el pedagógico, como formativo de la racionalidad, y del carácter científico al contacto con lo antiguo. Y se desarrolla una nueva actitud hacia la obra antigua: una estimación estética e histórica.

Arte y clases sociales.(8)

8.En la Edad Media, el arte se encuentra relacionado con la Iglesia y con el poder, llegando a ser, incluso, un objeto precioso, destino de donaciones y presentes. Casi se puede afirmar que en sus primeros momentos estuvo ligado a la producción monacal. En tiempos del Gótico, con la afirmación de las ciudades y el desarrollo de la burguesía ciudadana, asistimos a un cierto abandono del arte de los monasterios, al desarrollo de los gremios de artesanos y a una ampliación del área del consumidor de arte, los burgueses. El arte medieval debe ser según San Bernardo, la literatura de los iletrados y debe de trasmitirles la cultura cristiana a través de los ojos. Sin embargo en el gótico la burguesía dará un nuevo cariz al arte, ya que son los que pagan ese arte, quieren verse retratados en él, apareciendo en los Países Bajos la pintura al óleo y exenta, además del gusto por el retrato.

Arte y clases sociales.(7)

7.En Bizancio, el arte acompaña al poder para exhibir su carácter teocrático y fastuoso.

Arte y clases sociales.(6)

6.Con la difusión del cristianismo, el arte adquiere un valor didáctico, pedagógico e incluso propagandístico, el artista es al principio alguien anónimo que con el tiempo irá firmando sus obras.

Arte y clases sociales.(5)

5.En Roma la tendencia al hedonismo se ve fortalecida. En Roma el principal cliente del arte es el Estado. Las incursiones romanas hacen que muchos de los artistas griegos sean llevados como esclavos a los territorios romanos. Así el arte griego pasa a formar parte del imperio. Será el último arte griego, el helenista, el que más se usará en roma. La función del arte es la de difundir por la Roma imperial la grandeza del imperio y de sus gobernantes. El Estado necesita un tipo de edificios y de estatuas que recuerden a los ciudadanos quien es el César. También, las casa romanas (villas), se ven enriquecidas con estatuas, que de una forma decorativa pueblan los jardines. El coleccionismo se desarrolla entre las clases dirigentes, y propicia la importación desde Grecia de obras originales y de copias (estatuas, bronces, cuadros, etc. Poseer una buena colección es símbolo de poder, de prestigio cultural, de buen gusto... y una exhibición de capacidad económica. Por tanto, entre los romanos, el arte tiene un doble valor: hedonista y económico.

Arte y clases sociales.(4)

4.Durante el período Helenístico el ethos se deja de lado y las producciones artísticas están dominadas por el pathos. Se desarrolla el gusto por el arte y por el coleccionismo. Sin embargo, el artista trabaja para el poder político y religioso.