La animación en la imagen. Técnicas.

1.INTRODUCCIÓN.

El principio sobre el que se basa la animación era usado mucho antes de la llegada del cine. Durante todo el siglo XIX, la pasión por la investigación científica produjo gran cantidad de juguetes que producían imágenes en movimiento mediante una serie de imágenes producidas por separado. El más sofisticado fue el praxinoscopio, cuya cadena de diapositivas, cada una de ellas creada por separado, contaba una sencilla narración. Pero este proceso resultaba laborioso y fue la invención de la cámara tomavistas, que permitía la grabación fotográfica de un movimiento, lo que impulsó el desarrollo.

La historia de la animación y la filmación de secuencias están entrelazadas, pero existen diferencias en sus modos de actuar. La cámara de animación capta una imagen inmóvil y por lo tanto, el movimiento se crea por proyección. De hecho la animación se puede conseguir mediante el rallado o dibujo sobre la cinta de la película.

Otra diferencia es que en muchas ocasiones se equipara lo fotografiado a lo real, de manera que al dibujo se le asocia con la fantasía.

2.ORIGENES DE LA ANIMACIÓN CLÁSICA.

Edwin S. Porter usó la animación fotográfica en los títulos de crédito de dos películas que rodó en 1905. Al año siguiente Porter incorpora unos modelos animados a su película The Dreams of Rarebit Friend. Más tarde llegaría la técnica de animación a la compañía Gaumont de la mano de Emili Cohl.

Los primeros personajes de animación fueron creados por Windsor McCay, que rodó en 1914 Gertie the Dinosaur, rodada en parte con secuencias reales. Las películas de McCay, estaban dibujadas con gran exquisitez e imaginación. Pero eran películas caras de producir y dependían de su enorme habilidad como dibujante. Estas películas se hacían para ser películas únicas.

A diferencia de McCay que dibujaba cada fotograma en su totalidad, John Randolph Bray produjo la primera serie comercial en 1913, llamada Colonel Heezaliar in Africa, una serie parodia sobre Rooseelvett en África. Bray, dividía el trabajo fraccionando en láminas que se superponían los componentes de cada fotograma, conocido como la técnica del Slash. Al año siguiente se perfeccionará la técnica con el añadido de unos fondos estacionarios (fijos) y dibujando los personajes sobre acetatos transparentes. Esta técnica se convirtió en la base de toda la animación clásica comercial.

3.PRIMITIVOS (1900-1930)

Las primeras producciones animadas eran películas cortas en las que primaba el aspecto visual (pensemos: el cine es mudo aún). Estaban dirigidas a colonos emigrantes con un escaso o nulo conocimiento del idioma. La mayoría de los personajes eran venidos del cómic.

Una de las primeras producciones mediante la técnica del Slash, será Krazy Kat de George Herriman. Herriman inventa un universo literario personal en la serie que puede ponerse como precursora del surrealismo.

Félix el Gato fue creado por Pat Sullivan, que se inspiró en el vagabundo representado por Chaplin. Félix refleja al marginado con ideales propio del final de la guerra y propio de los innumerables personajes que iban a Norteamérica en busca de oportunidades y veían pisoteadas sus ilusiones. Félix es el primer personaje que surge primero en la animación y que luego pasará al cómic.

3.LA ÉPOCA CLÁSICA (1930-1950)

Los hermanos Fleischer son el eslabón entre los primeros años de la animación y la más madura industria de los años 30. Inventaron el rotoscopio que era un aparato que permitía pasar la imagen real a la animada. Hicieron una serie sobre Koko, un perrito al que le suceden cosas fantásticas.

Del estudio de los Fleischer, saldrá Betty Boop, que era en principio un extraño híbrido entre mujer y perro. Era en la animación la réplica a la “femmes fatales” del cine de Hollywood (Mary Picford, Mae West, etc.). Betty es el primer personaje de la animación que sufre la censura. La otra heroína que surge del taller de los Flescher es Olivia, la novia de Popeye, con un acento más barriobajero.

Sin embargo, problemas de solvencia hicieron que los Fleischer vendieran el estudio a la Paramount, al no poder superar la competencia de Disney.

3.1.WALT DISNEY.

La creación de un estudio que pudiera competir con los grandes estudios de acción en vivo fue obra de Walt Disney. Disney en 1930 contaba con la admiración de Einstein y Musolini y con la desconfianza de Hitler que prohibió la entrada del ratón Mickey en la Alemania nazi. El talento de Disney se basaba en la comprensión de los gustos del público en general y en sus cualidades como empresario.

La película Steamboat Willie, presenta por vez primera un personaje creado por Bob Iwerks (colaborador de Disney): Mickey Mouse que era un personaje travieso y alegre, y en el que la voz se sincronizaba directamente con el sonido. El éxito de esta película hace que pronto de produzcan más en las que se sincroniza la música con la imagen. La primera película en Tecnicolor fue producida en 1932 y se llamaba Árboles y Flores.

A mediados de los años 30, el estudio Disney contaba con unos 800 trabajadores. Se crean nuevos personajes como Donald, Pluto y Goofy, y películas como Los tres cerditos, con la moraleja de conseguir la redención a través de la diligencia y el trabajo. Para competir con los largometrajes, produjo en 1938 Blancanieves y los siete enanitos, Luego Pinocho (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942).

La división del trabajo de animación en la Disney sigue siendo el modelo normalizado de la realización comercial de la animación. Cada grupo se encargaba de un sector: unos dibujaban las secuencias más esenciales, mientras que otros menos hábiles las otras intermedias, que otros limpiaban, otro departamento pintaba los fondos, otro las figuras. Otros mezclaban las pinturas, etc. Al final todo era firmado por Disney.

Tras una huelga que desequilibró el estudio se produjo la película Fantasía que no tuvo éxito. Finalmente el giro al conservadurismo que tomó Estado Unidos después de la 2ª Guerra Mundial, hace que Disney ofrezca sus servicios para colaborar con la causa realizando películas propagandísticas. Aunque el estudio no volvió a ser lo que había sido en los años 30.

El legado de Disney perdura, y el estudio siguió reestrenando a sus clásicos como El Libro de la Selva (1967) y produciendo otras nuevas: La Bella y la Bestia o Aladín, películas estas dos últimas que suponen un nuevo empuje comercial en la Disney

3.2.LA WARNER.

Tex Avery parodió el lado sensiblero de las películas de Disney desde otra compañía: la Warner. La Warner había comenzado con series como Looney Tunes y Merrie Melodies.

Chuck Jones dirigió sus primeros dibujos animados y estuvo con la Warner hasta su cierre (1962); trabajó en varias series, incluidas el Pato Lucas o Bugs Bunny. La creación que mejor se mantuvo fue Correcaminos. En el centro de la producción estaba Tex Avery, cuyo mundo visual estrafalario, escandaloso y deslumbrantemente orquestado parodiaba las películas de gansters de la Warner y los documentales y noticiarios. Avery dirigió los primeros dibujos sobre Bugs Bunny y creó a Porky y al Pato Lucas. En 1942 dejó la Warner y se pasó a la Metro Goldwing Meyer donde Joseph Barbera y William Anna estaban trabajando en la serie Tom y Jerry.

4.EUROPA.

Los dibujos animados nacieron en Francia de la mano de Emil Cohl quien realiza sus primeras animaciones a principios de siglo y que luego continúa su carrera en los Estados Unidos.

En Europa existió también una tradición de animación, aunque no llega a formarse de ella una industria tan poderosa como la americana, aunque sí las técnicas son diferentes del Slash al que nos referíamos más arriba.

4.1.LA ESCUELA DE ZAGREB.

En los años 50 fue famosa la renombrada escuela de Zagreb. Después de la 2ªGM, los países de la Europa del Este, quedan bajo la influencia del estalinismo de la Unión Soviética. Los creadores que se agrupan en torno a la escuela de Zagreb se oponen a éste régimen. Le dieron un énfasis a la lucha del individuo contra el conformismo, al concepto de hombre universal y a la animación como un lenguaje universal.

Adoptaron para ello, técnicas de animación muy limitadas y de bajo presupuesto, promovidas por un grupo de animadores de la Disney tras abandonar los estudios después de la huelga de 1941. En este estudio que fundaron aparecen personajes como Mr. Magoo, en el que se busca un estilo más contemporáneo en sus trabajos. Sus dibujos eran más libres y con un mayor estudio en los fondos que los de Disney. Tenían un mayor énfasis en los movimientos de la cámara, el uso del color y de las líneas para crear espacio y ambiente. Su influencia fue considerable y su estilo sofisticado y a veces caprichoso.

4.1.VANGUARDIAS.

En el campo de la vanguardia es donde más claro se ve, el hecho evidente de que la animación no es sinónimo de usar el dibujo o pintura. En el vanguardismo, la animación se ha mezclado libremente con las técnicas de acción real. Mezclando elementos estéticos diversos y sincronizando la acción con la música o sonido. Asimismo, la publicidad ha recurrido a la animación en muchas ocasiones sobre todo en la televisión.

5.LA TELEVISIÓN.

Al principio el medio televisivo era un medio en que no se podían poner animaciones debido a su coste. Alrededor de 1957 Popeye y Bugs Bunny se convirtieron en los elementos fundamentales de las programaciones televisivas. William Anna y Joseph Barbera, hicieron varias series para la televisión como Yogui, pero el éxito de Los Picapiedra, demostró que existía un público adulto que se interesaba por la animación en televisión. Los Picapiedra representan al americano medio en una ciudad prehistórica pero con todos los adelantos de los últimos tiempos, y en situaciones que resaltan la impulsividad de Pedro, la reflexión de Pablo y los valores tradicionales de la familia. Estaba pues dirigida tanto a un público adulto como a los más pequeños. Pero el acelerado plan de trabajo supuso una baja calidad en los dibujos y una repetición sistemática de los fondos.

En general el nivel de la animación fue bajando en todas las producciones debido a sus elevados costes, así no es extraño que una serie como Masters del Universo sacase más ingresos con los juguetes vendidos que con la propia serie. En muchas series para televisión se diseñan primero los juguetes para luego crear una serie que los promocione.

6.ANIMACIÓN CON ORDENADOR.

Tradicionalmente se dice que la película Tron (1982) de la Disney, es el primer y arcaico ejemplo de animación mediante un ordenador. Se puede reseñar (aunque con ciertos recelos dado a su calidad) la película El Cortador de Césped, como un ejemplo de la exacerbación de la realidad virtual. La animación por ordenador hoy día, busca mediante potentes editores de imagen la sustitución de la realidad y el engaño al ojo del espectador. Películas como Toy Story (1y2), Bichos, Antz, etc., hacen que el universo de la animación por ordenador sea tan amplio como la imaginación del diseñador que realice la película, y que con un equipo más reducido de personas se pueda llegar a resultados como las películas antes mencionadas.

También es corriente que se use la animación digital para abaratar los costes de producción de películas. De momento éstos recursos digitales sustituyen perfectamente desde el Coliseo romano en Gladiator al Titanic hundiéndose.

7.ANIME.

La industria japonesa empezó a introducirse con fuerza en los mercados internacionales a finales de los 70. En España se popularizaron series televisivas como Heidi y Marco que marcaron el comienzo de la animación japonesa en nuestro país. Posteriormente seguiría Mazinguer Z o Candy. Bola de Dragón fue una de las series que más aficionados a éste tipo de animación tuvo y que en sus primeros episodios demostró una calidad en los guiones que fue degenerando hacia el estiramiento sin rigor de cada capítulo. La animación japonesa comercial tiene menos fotogramas por segundo que la de otros países (de 24 imágenes por segundo hasta 14 a veces en la japonesa) lo que la hace más barata en la producción y competitiva a escala mundial.